Le travail d'Anna-Eva Bergman se caractérise par un profond mysticisme combiné à une grande sensibilité, qu'elle qualifient de "panthéiste".
À partir des années 1940, Anna-Eva Bergman embrasse une voie artistique non figurative mais profondément symbolique, qu'elle qualifie elle-même d'"art d'abstraire". Inspirée par la nature et nourrie par une introspection personnelle, cette approche devient le fondement de sa propre théorie esthétique.
Les paysages norvégiens et l'expérience marquante du soleil de Minuit dans le Finnmark influencent son travail, tout comme ses voyages le long des côtes méditerranéennes, où elle développe une obsession pour les variations lumineuses et les nuances contrastées.
Son approche artistique repose sur la primauté de la ligne, l'utilisation du nombre d'or, la symbolique des couleurs et l'emploi de feuilles de métal, techniques inspirées par les traditions médiévales. La peinture et l'écriture sont étroitement liées dans son processus créatif : elle consigne ses réflexions théoriques, techniques, esthétiques et philosophiques dans des carnets.
Son séjour en 1950 le long de la côte norvégienne marque un tournant majeur, orientant sa recherche vers des formes simplifiées comme la lune, les astres, les montagnes et les arbres, formant ainsi un langage visuel en constante évolution qui caractérise toute son œuvre.
À la fin des années 1970, l'œuvre d'Anna-Eva Bergman connaît une transformation ultime avec l'adoption de très petits formats, qu'elle appelle "Mini-peintures", alternant avec de grands tableaux aux formes simples et monumentales. Ces œuvres se distinguent par leur palette chromatique réduite et démontrent une maîtrise exceptionnelle de la composition et de la synthèse visuelle.
Commissariat : Hélène Leroy, Conservatrice responsable des collections du Musée d'Art Moderne de Paris.
